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The Collection

Galería

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Sinopsis

 

The Collection es fruto de la colaboración entre Néstor Delgado (Santa Cruz de Tenerife) y Rasmus Nilausen (Copenhague). Es una exposición en formato de dúo. La interacción e instalación de la muestra se propone, pues, una reflexión sobre la idea de colección, a la vez que de la figura del autor pictórico.


Otros textos

 

La imagen a través (dueto)

La imagen aparece. El pincel frota la tela y la imagen aparece. ¿Elegimos las imágenes?

Un día escribí sobre mis recurrentes encuentros con naipes en las aceras de mi ciudad natal. Se entreveraban con mis pasos en mí deambular por las calles. No sabía si yo iba al encuentro de ellos o, a la manera de un mensaje cifrado, los naipes me enviaban señales escondidas, palabras, comentarios sincrónicos o premoniciones bienintencionadas, avisos.

Imaginemos por un momento a Perec haciendo el inventario de lo que Borges le dicta al oído mientras contempla el Aleph en aquel sótano oscuro de Buenos Aires. Néstor Delgado y Rasmus Nilausen se aplican a la imposible y fracasada tarea de clasificar la iconografía del mundo. Pero en ese vano intento, la imagen aparece.

Pintar es parar el tiempo, aquietar la imagen. Mi amigo Serafín diría “apretar el botón de Pausa”. ¡Que se pare el tiempo! En el hipersaturado perpetuum mobile contemporáneo en que estamos sumidos esto suena a un pequeño y sustancial acto revolucionario (dentro de poco sólo dormir y cerrar los ojos nos mantendrá a salvo).

Aquietar la imagen para salvarla. La pintura devuelve a la imagen el tiempo que la experiencia guarda para sí. Pintamos el tiempo –la calidad del tiempo mirado– en una imagen quieta. Delgado y Nilausen apuran la pincelada en un amoroso y certero wet on wet a sabiendas de la imposibilidad de la mimesis. Quieren nombrar a dúo, conscientes de que el mundo es muy grande para cantarlo solo. En este coro bien entonado la imagen aparece clara. Estas imágenes inteligentes nos recuerdan que pintar no es representar. Miro esta colección de imágenes. En breve, mi mirada atravesará el plano (como abducido por el hueco de una pintura de Fontana) y veré los pliegues que las imágenes guardan para sí, el doblez que las completa, desvela y desnuda.

Pero ante estas obras mi desasosiego continúa: ¿eligen las imágenes? O mejor dicho: ¿elegimos las imágenes? Del infinito cuerpo del Aleph borgiano, del caótico menú que nuestra mirada guarda, de toda nuestra experiencia transversal con el mundo y con las cosas, ¿qué imagen elegir? Dicen que la intuición es la inteligencia de la subjetividad. Sabemos que el mundo se piensa imaginando. Estos eclécticos fragmentos del paisaje que Delgado y Nilausen hacen aflorar descentran el mundo y nos salvan, aunque sólo sea por un instante, del ensimismamiento. Apuntan indiscriminadamente en todas direcciones y me hacen abundar en la sospecha de que somos menos autores de lo que creemos y de que también la imagen, el paisaje y el mundo nos miran.

Yamandú Canosa. Barcelona, mayo de 2011.

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Je suis Alice

Galería

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Sinopsis

 

Moi, Violeta Gomez, je suis Alice.
Mais pas l’Alice de Carroll.
Pas l’Alice anglaise, pas l’Alice des merveilles.
Je suis la vraie Alice.
L’Alice des forêts, l’Alice des contes enfantins, l’Alice française.
La tarda daurada mai no va existir.
La barca mai no deixà de ser arbre.
Lewis Carroll mai no conegué l’Alice.
Andersen i els germans Grimm van albirar fugaçment l’Alice en els ulls de Perrault.
Alice française, Alice catalane.
Alice perdue dans les bois de la Bretagne.
Alice perduda en la muntanya sagrada de Collserola.
Qu’est-ce que c’est Je Suis Alice?
Ce n’est pas une fantasie.
La fantasie c’est de l’irréel.
Je Suis Alice c’est une vision.
La vision c’est du sacré.


Descripción

 

L’hivern del 2004, el periodista i productor musical Luis Troquel va demanar a Violeta Gomez unes cançons per a un projecte de disc de la cantant Jeanette que havia de ser arranjat i dirigit per Refree i que posteriorment va ser cancel•lat. Una de les cançons que Violeta va compondre va ser Je suis Jeanette.

El desembre del 2008, l’IEF de Catalunya descobria unes fotografies inèdites de Lewis Carroll en una ermita de Collserola.
Tots dos fets tenen com a resultat lògic el projecte Je suis Alice, les aventures de l’Alice al món màgic de Collserola. Per què Alice i no pas Alícia? Ja està explicat. A més, la utilització del nom en francès serveix a l’artista per una part per allunyar-se de la creació de Lewis Carroll (que no l’interessa gaire) i per l’altra per acostar-se als orígens francesos del mite (i de la major part dels contes de fades), i més enllà encara per reivindicar les arrels franceses i europees de bona part de la cultura tradicional catalana. Tot això, a més d’un viatge esotèric al món infantil i a la Collserola més pregona, és Je suis Alice.

Les fotografies de la sèrie Je suis Alice mostren l’Alice en diferents indrets pintorescos de la serra de Collserola, com ara la Font d’en Ribes, la Font Groga, les ruïnes del monestir de Santa Maria de Valldonzella i, és clar, l’esglèsia de Sant Pere de Romaní. Actualment, set d’aquestes fotografies es poden veure a l’expo 33-66! a la Swallow Gallery en una fase inicial del projecte. Sèrie fotogràfica en procés.

El projecte té molta relació amb altres obres meves anteriors també fetes a Collserola, com ara:
• La sèrie de fotografies i vídeo Shiki (les quatre estaciones), part 2: tardor. Inèdita, 2007.
• La vídeo-instal•lació Aparicions marianes a Collserola. Can Felipa, 2008.
• La sèrie de fotografies i vídeos Aventures a Collserola. Inèdita, 2009-2010.

Tot plegat constitueix un corpus de treball que reclama l’espai natural de la serra de Collserola com a espai artístic i com a porta a la dimensió dels somnis. És a dir, com a un gran visionary environment natural.

Je suis Alice reivindica també:
• Les reveries enfantines.
• El neovictorianisme.
• Tradicions catalanes relacionades amb la natura i el cicle de l’any com ara els aplecs, les fontades, etc.
• Un art popular alhora que avançat: allò que reclamava el modernisme català. Aquest nexe és evident perquè alguns dels indrets que surten com a escenari a la sèrie són fites del modernisme integrades dins la natura.

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En-corps. Poéticas y políticas del cuerpo

Galería

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Sinopsis

 

En-corps es un work in progress que intenta investigar desde y con el cuerpo formas no-representacionales de posicionarse y producir dentro del orden de lo imposible. Lo imposible como aquello que se encuentra fuera del orden de lo simbólico y en tanto tal no puede ser dicho ni pensado, pero puede ser encarnado. Encarnación que al desafiar los Nombres-del-Padre, deviene espacio de visceralidad radical en donde lo personal (y lo carnal) vuelve a ser político. Se trata de hacer visible una ética y estética de lo corporal en donde lo poético y lo político se encarnan en un cuerpo que deviene espacio de acción, re-flexión y resistencia. El proyecto no quiere mostrar una determinada realidad de el/los cuerpo-s, sino más bien señalar un recorrido que pueda dar cuenta de el-los tránsito-s que, mediatizados por el cuerpo, van de la-s realidad-es a lo Real.


Descripción

 

La sublevación de los valores corporales y orgiásticos es una rebelión contra la doble condenación del hombre: la condena al trabajo y a la represión del deseo. Para el cristianismo el cuerpo humano era naturaleza caída, pero la gracia divina podría trasfigurarlo en cuerpo glorioso. El capitalismo desacralizó el cuerpo: dejó de ser el campo de batalla entre los ángeles y los diablos y se transformó en un instrumento de trabajo. El cuerpo fue una gran fuerza de producción. La concepción del cuerpo como fuerza de trabajo llevó inmediatamente a la humillación del cuerpo como fuente de placer. El ascetismo cambió de signo: no fue un método para ganar el cielo, sino una técnica para acrecentar la productividad. El placer es un gasto, la sensualidad una perturbación. La condenación del placer abarcó también a la imaginación, porque el cuerpo no sólo es un manantial de sensaciones sino de imágenes. Los desórdenes de la imaginación no son más peligrosos para la producción y el rendimiento óptimo que los sacudimientos físicos del placer sensual. En nombre del futuro se completó la censura del cuerpo con la mutilación de los poderes poéticos del hombre.
Así, la rebelión del cuerpo es también la de la imaginación. Ambos niegan al tiempo lineal: sus valores son los del presente. El cuerpo y la imaginación ignoran el futuro: las sensaciones son la abolición del tiempo en lo instantáneo, las imágenes del deseo disuelven pasado y futuro en un presente sin fechas”.

Octavio Paz. El ocaso de la vanguardia


Justificación

 

El proyecto está pensado como un espacio de observación de artefactos visuales pero también de reflexión y experimentación en el cual el observador-participante pueda sentirse implicado con lo que allí se encuentra. Es por ello que la configuración espacial estará basada en una lógica no positivista que se vertebra a partir de los posibles recorridos aleatorios y personales del observador. El planteamiento general es el de una gran instalación formada por diferentes mini instalaciones que en su conjunto, interrelación y entrecruzamiento propondrían un relato que intenta poner en evidencia que el cuerpo carga “con la gran responsabilidad de la carne”. Las distintas piezas que forman la instalación no llevarán ningún tipo de identificación individual para remarcar así el carácter transversal y multivocal. Asimismo formarán parte del montaje una serie de textos que se colocarán en las paredes que si bien se relacionan con la línea discursiva de las piezas no intentan explicarlas ni hablar de ellas sino ser un sustrato más dentro de las posibles lecturas del conjunto.
Entiendo el ámbito expositivo como una continuación del espacio de trabajo y es por ello que conjuntamente con las piezas que se muestren enseñaré también diferentes aspectos del proceso de trabajo.

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BackPlay

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Sinopsis

BackPlay es PlayBack, pero al revés. El playback remite a un referente, a su vez inserto en una cadena de apropiación, interpretación, y repetición; al darle la vuelta, difícilmente llegaremos al original, limpiamente desandando lo andado. Las piezas que se presentan en esta exposición muestran la manera en que lejos de una vuelta atrás, lo que resulta de este ejercicio es un experimento irresoluble; una recombinación de jerarquías y significados tan caótica como poética, a la que no le queda más que reírse de sí misma, y seguir intentándolo.


Descripción

Texto: Gabriel Pericàs

“El espacio: la última frontera. Estos son los viajes […], una misión […], dedicada a la exploración de mundos desconocidos […]”

Extracto de los créditos de inicio de la serie Star Trek.

El título, BackPlay, responde a un ejercicio simple de inversión de la palabra PlayBack. Este giro es ilustrativo de cierta metodología, más o menos ingenua, que sin embargo hará uso de complicados procesos de resignificación de referencias. Este procedimiento, y la despreocupación por la efectividad real del método, es lo que posibilita a Ainara Elgoibar (Bilbao, 1975) llevar a cabo una suerte de experimentación doméstica que idealmente respondería a cuestiones tan potencialmente poéticas como, diremos, difíciles de resolver.

En la sala encontramos tres piezas. Las tres comparten un interés por el análisis y la utilización de referentes de muy diversa índole. Por un lado la reconstrucción y manufactura de material físico, las más veces hardware reciclado y, por otro lado, el estudio y reutilización de material teórico; citas, referentes e información fruto de una investigación tan exhaustiva como sui géneris.
Ideas como el tiempo, el sonido, el espacio, la repetición, la percepción, etc. son toscamente materializadas en forma de experimentos domésticos con tecnología simple cargados de cierta actitud idealista, soñadora; irónica y felizmente lunática.

El primer trabajo que encontramos, titulado ¨Then We Do It All Over Again (After Moebius) ¨ (2009), es una instalación audiovisual que consiste en un televisor en el suelo, recolocado en horizontal -de modo que la pantalla proyecta la imagen hacia el techo- acompañado de un reproductor de DVD. En la pantalla se reproduce un vídeo algo perturbador. Es un fragmento de una secuencia del capítulo Time Squared de la serie de ciencia ficción Star Trek. Este fragmento de vídeo es una suerte de respuesta/homenaje a un tema del Brow Album de Orbital. El vídeo repite la frase “Then we do it all over again” [después lo hacemos todo otra vez] reproducido en phasing tal como hizo Orbital con la frase “When time becomes a loop” . Además, la imagen está enmarcada dentro de un círculo y rota sobre su propio eje remitiendo -también debido a su horizontalidad- al movimiento de los discos de vinilo, a su tradición y su narrativa. El último giro deconstructivo tiene que ver con la colocación premeditada de los altavoces en el techo, proyectando el sonido hacia abajo. Emitiendo el sonido y la imagen desde puntos diferenciados Elgoibar logra alterar la percepción clásica de la imagen televisiva del mismo modo que pone en duda, de la mano en este caso de la ciencia ficción y de los recursos propios de la música electrónica, la percepción natural del tiempo. Y no olvidemos el desenfado, desde luego. Y el mareo.

La segunda pieza que podemos escuchar, “Useless Metronome” (2010), es un prototipo simple de un experimento llevado a cabo por la artista en un intento por invertir la relación entre la música y el tempo. La pieza es una pareja de aparatos compuesta por un metrónomo eléctrico modificado y una radio. Si la lógica razonable conduce a pensar que el tempo, representado en este caso por el metrónomo, es el que debe indicar el ritmo que una música -cualquiera que sea- debe seguir; en este caso la dependencia es inversa. Es decir, mediante un simple sistema de hardware construido por la artista, se consigue que sea la música la que dicta el tempo que el metrónomo marca. Es el metrónomo el que detecta y obedece al ritmo que la música emitida por la radio impone. Así, Elgoibar introduce un giro de 180º en el proceso habitual de construcción del audio resultado del cual es este objeto manipulado cuya finalidad y utilidad no debe preocuparnos lo más mínimo.

El tercer trabajo que encontramos, ¨You Never Know (n)¨ (2010), es un dispositivo excéntrico, raramente iluminado, incrustado en un palé -remitiéndonos a una posible idea de ‘puesta en escena’- y emitiendo, dicho sea de paso, un ruido un tanto molesto. Este sonido no es más que la prueba fehaciente del fracaso de un experimento que trata de traducir a sonido dos composiciones gráficas complejas y que abarcan mundos cuyos tamaños son exponencialmente opuestos: Un mapa de los cielos y un esquema del patrón de crecimiento de un quasi-cristal . El sistema, pues, funciona de la siguiente forma: Sendas imágenes han sido fotograbadas sobre dos planchas de cobre de forma circular y del tamaño aproximado de un disco de vinilo. Sobre ambas, una aguja de tocadiscos trata de reproducir el sonido que generan los surcos dibujados en las planchas. Los cabezales están conectados a los extremos de un brazo que comunica la señal a un amplificador que a su vez transmite la señal a un altavoz que genera un ruido que, pese a todo y como en los ejemplos anteriores, no resulta revelador en absoluto.

En cualquier caso, esta mística de la construcción de artefactos resulta altamente estimulante pese a, o debería decir debido a, la frustración de cualquier tipo de resultado rentable. Una actitud, por inventar un término, cronoestusiasta, como consciente de que, total; lo que sea que pasó pasará de nuevo.

 

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It’s alive, alive!

Galería

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Sinopsis

Comisariada por Eneka Fernández Entenza.

En el año 2010 el formato fotográfico analógico por excelencia, la polaroid, resurgía de sus cenizas gracias a asociaciones y blogs de usuarios. En la presente exposición queremos rendir un pequeño homenaje a estos diferentes formatos analógicos tales como la diapositiva, el Super 8, la máquina de escribir, el VHS, la polaroid etc.

La plasticidad de la imperfección analógica junto a los recuerdos más profundos.


Descripción

Diferentes artistas abren sus cajones y buscando en su pasado, recuperan imágenes y escritos realizados tiempo atrás haciendo así una revisión de su propia vida y de la historia de la reproductibilidad. Recuperar estas imágenes no se convierte solo en un ejercicio ligado a la técnica, sino que se convierte en un ejercicio memorístico y personal. Fotos familiares, vinilos antiguos, grabaciones de viajes de carretera, polaroids “fallidas” conviven con trabajos contemporáneos en un nuevo universo.

Lo analógico es parte de nuestra historia personal: postales escritas a mano enviadas desde alta mar a una hija que se ve 6 meses al año, Super 8 con los primeros pasos de un bebe, polaroids de fiestas en los 60, cartas mecanografiadas de un abuelo metódico y cariñoso… todos estos objetos nos hablan de nuestro pasado, del pasado de nuestras familias y amigos, y hablan, además, de formatos superados tecnológicamente pero a pesar de ello inmortales.

El gesto de revolver una caja llena de fotografías analógicas, la acción de visualizar un pequeño fragmento de la boda de nuestros padres, nos lleva a un pasado personal y al pasado del formato de igual manera. El color, la textura y el olor de estos materiales nos transportan a otros tiempos. Realizamos así un doble ejercicio memorístico, a la vez personal y colectivo.

Esta exposición no pretende ser una crítica a lo digital, sino más bien un ejercicio de memoria personal. Toda una generación conserva parte de su infancia y adolescencia ligada a diferentes formatos analógicos. Nuestros recuerdos son palpables y archivables. Aun guardamos casetes de nuestros grupos favoritos (algunos verdaderamente vergonzosos), fotografías de viajes de fin de curso, cámaras fotográficas de carrete recuerdo de la primera comunión, videocámaras o trabajos sobre el lince ibérico mecanografiado a doble espacio. Somos usuarios de las nuevas tecnologías, pero nuestro pasado está en analógico.

Artistas participantes:

– Andy Ríos
– Anna Arcas
– Ariadna Serrahima
– Carla Tramullas
– Carolina Zerpa
– Esteban Garcia
– Juan diego Tobalina
– Katherine Fiedler
– Miguel Aguirre
– Miguel Orcal
– Pablo Lerma
– Santiago Pinzón
– Sebastián Cabrera
– Sonia Fernández Pan
– Yosigo


Justificación

Proyecto con alto componente nostálgico pero a la vez divertido y reconocible por una generación. Recopilación de formatos analógicos y ejercicio de memoria personal y colectiva. Una vista atrás a nuestra niñez a través de objetos y elementos de uso común.

Se trata de una muestra sencilla pero a la vez divertida y que consigue un espíritu colectivo en el reconocimiento de formatos familiares como las polaroids, las grabaciones en Super 8, las cintas vhs o los casetes. Se podrán ver los trabajos de varios artistas que recuperan fotografías antiguas o realizan nuevos trabajos utilizando formatos analógicos. Una especie de baúl de los recuerdos amenizado con música de vinilos o casetes.


Nota de prensa

En 2008, la marca Polaroid anunciaba el fin de la fabricación de película para sus cámaras de fotografía instantánea con la intención de dedicarse exclusivamente a lo digital. Un símbolo de la fotografía analógica caía.

Desde ese mismo momento, miles de usuarios de todo el mundo creaban grupos de apoyo en internet y exposiciones para pedir la comercialización de los nuevos carretes, que finalmente se logró en marzo de 2010.

La “desaparición” de la polaroid motivó a muchos usuarios a retomar los formatos analógicos y recuperar no solo la famosa fotografía instantánea, sino también vinilos, cintas de VHS, cámaras de carrete y máquinas de escribir. Se constataba que formatos analógicos y digitales podían convivir y coexistir en beneficio del usuario.

Esta muestra se perfila como un ejercicio ligado tanto a la técnica como a la memoria. 15 artistas recuperan fotografías y películas antiguas o realizan nuevos trabajos utilizando formatos analógicos. Juntos, crean una especie de archivo de memoria personal y colectiva, donde polaroids, Super 8, diapositivas o escritos a máquina nos transportan a una infancia y adolescencia cargada de recuerdos.

Una muestra para ver de cerca, con pequeños formatos, íntima y personal.

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Suspicious Minds

Galería

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Sinopsis

Una exposición de Karim Lebbal y Jordi Soto ‘Chamuco’.

Comisariada por Mery Cuesta.

El dibujo y la pintura volcados con una pasión irrefrenable, con una compulsión que no es normal. Karim Lebbal y Chamuco regurgitan sobre el papel una maraña flipante de referentes de la cultura popular musical, el cómic, o el cine, que provocan turbación en el espectador. Vómitos gráficos sin remedio ejecutados con una técnica sencillamente asombrosa.


Descripción

 

La imaginación de Karim Lebbal se despliega en torno a Los Night Creatures, un elenco de 40 personajes y un gato que viven en planetas paralelos. En este cosmos lleno de pliegues entre realidad y fantasía vive Skabidú, un abuelo alienígena que viaja en meteorito y cae en la tierra en 1969, en medio del festival Woodstock. Agradecido por el buen trato recibido, Skabidú decide crear unos seres que salvarán al mundo de la corrupción… Pero el experimento no sale bien y Los Night Creatures se dedican a la juerga y el crapulismo.
El universo de Los Night Creatures es el funky, el incipiente movimiento del skate y el graffiti de los 70, y especialmente los vinilos. Los discos de vinilo son una de las bases fundamentales del trabajo de Karim, quien emplea como soporte papeles protectores de discos de vinilo de los 70 exclusivamente, sobre los que va desgranando referencias a álbumes y temas de la época que – según el artista – normalmente los coleccionistas no comparten. Los Night Creatures es también un glosario de rarezas, temas inéditos y caras B de funky y rock’n’roll setentero, además de un hilarante catálogo de argot de la época, aportación del guionista Fernando ‘Nandi’ Sastre.
Las aventuras de Los Night Creatures, fuertemente influenciadas por el estilo de Robert Crumb, Charles Burns, Jim Phillips o Vaughn Bodé, verán la luz proximamente como cómic book.

Jordi Soto ‘Chamuco’ pinta y dibuja porque no podría dejar de hacerlo. La identificación de su ideario y sus referentes vitales con su obra es total y absoluta. Muy probablemente es esta entrega total a la expresión gráfica de su Yo la que genera tanta potencia y perturbación en el espectador.
Chamuco crea de una manera que, en cierto modo, se relaciona con una forma de automatismo, en equilibrio entre lo instintivo y la pura visceralidad. En este estado asalvajado, desata un torrente de referencias a los carteles de cine, las portadas de discos y pulp, el mundo del tatuaje y la gráfica de los pinballs. Cierto horror vacui en sus composiciones, y el delirio de color y temático (sus pinturas parecen a veces visiones de un alucinado) le acerca a lo que hoy llamamos Surrealismo pop. Pero Chamuco ha llegado a este punto por su cuenta, apoyado en referentes tan dispares como Egon Schiele, Mel Ramos o el cartelista Macario Gómez ‘Mac’.
Los títulos en la obra de Chamuco adquieren mucha importancia complemento (No sempre les coses més grans són les que et foten la vida, En el monte del olvido hay clavadas tres cruces… y las tres son para mí) lo cual debe descender de su faceta como poeta. Chamuco es uno de esos creadores para quienes su práctica funciona como una manera de autoexorcismo.

Para nosotros como espectadores es un lujo que ambos artistas sean capaces de reflejar, con una técnica alucinante y alucinada, lo que hay dentro de sus cabezas. Si cada uno de nosotros fuéramos capaces de hacerlo, quizás también seríamos tildados de mentes sospechosas.

Mery Cuesta


Otros textos

 

Karim Lebbal | Bretagna, 1977

Dibujante, músico y diseñador alternativo.
Estudia en Paris artes gráficas. En Francia, trabaja de diseñador de revistas deportivas, de la revista Rock Magazine, así como de carteles, flyers e ilustraciones. Miembro del colectivo artístico Art Pax dedicado al graffiti, y de TRIBE Organisation, una asociación dedicada al monopatín.
En 2004 llega a Barcelona. Actualmente está centrado en un libro autobiográfico con fotomontajes y dibujos, y en el desarrollo del mundo de Los Night Creatures, con la ayuda del guionista Fernando ‘Nandi’ Sastre.

Jordi Soto ‘Chamuco’ | Barcelona, 1965

Músico, compositor y pintor.
Co- fundador y miembro de la banda Los Bombarderos. Ha desarrollado una larga carrera musical y compositiva junto a los saxofonistas Dani Nel•lo (La banda del Zoco, Vértigo) y Jordi Prats. Así mismo, realiza trabajos de composición para teatro bajo la dirección de Carme Portaceli.

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We love Colors

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Sinópsis

Para esta exposición, “We love colors”, hemos invitado a un representativo grupo de artistas que trabajan o han trabajado en las calles de Barcelona. Queremos que cuenten lo que quieran partiendo de la idea del uso del color que cada uno hace en sus obras. Además hay implícita en cada una de las obras una reflexión personal sobre el color a través de sensaciones, estímulos o paralelismos con otras disciplinas. Sin filtros ni censuras y con total libertad formal.

Con el fin de que resulte una manifestación real de libertad de expresión, y evitar el consumo rápido y superficial del arte urbano, hemos querido mantener como una de las máximas de esta exposición la independencia en cuanto a los contenidos.

“We love colors” reúne a Kenor, Sakristan, Kafre, Zosen, Ilia Mayer, Joaquin Jara, Ripo, Ovni, Hombre López, Justin Case & Olivia, ZEZ608, Txemy y BToy.

Todos ellos intervienen o han intervenido en algún momento las calles de Barcelona.

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Notebook

Galería

Sinopsis

 

Esta exposición es un claro ejemplo de lo divertido que pueden ser los juegos de matar zombies, pero también pretende crear un marco de reflexión y análisis sobre los procesos de producción en el trabajo artístico, siendo éste el hilo conductor y leitmotiv de los artistas presentes en la exhibición. No se trata de una exposición temática al uso, sino de visibilizar el desarrollo de la investigación conceptual de los artistas residentes en Hangar, planteando la producción como un tempo del trabajo creativo tan necesario hoy en día en el mercado del arte y con tan poca visibilidad social.

Comisaria: Carlota Santabábara.

Artistas: Alberto Gracia, Diego Pujal, Guillermo Pfaff, Joan Cabrer, Jordi Ferreiro, Lola Lasurt, Mariana Zamarbide, Mercé Hernández, Mónica Heller, Rita Rodriguez, Rubén Verdu, Samuel Labadie, Sergi Botella.


Descripción

 

Puede que a día de hoy pocos hayan reparado en la importancia de los procesos artísticos, de los centros de producción artística, y en la importante función que desempeñan en el complejo y especulativo engranaje del consumo cultural. Esta exposición colectiva tiene como objetivo visibilizar los procesos de producción de una serie de artistas residentes en Hangar, no sólo para mostrar un producto artístico sino para revelar cómo trabajan y así nos permitan leer entre líneas cuales son los tempos de su obra, desde la idea que les invade frente a un café recién hecho o esperando el metro, hasta su plasmación en aquello que nos dejan contemplar como espectadores.

Tal y como dijo Adorno: “El arte no se agota en lo que se puede hacer, si no que el proceso hace que la obra de arte tenga su lenguaje propio”.

La visibilidad del proceso artístico eleva al arte como forma de conocimiento, comunicación, objeto o proceso transformador, se ha querido promover el valor del proceso como mecanismo de experimentación, reflexión e intervención de la creación contemporánea. Siendo un objetivo fundamental acercar al público el arte como proceso, como experiencia investigadora, familiarizando a la sociedad con los lenguajes artísticos desencriptando los mismos y haciéndolos más accesibles a la comprensión.

Se trata de un ensayo de comunicación coordinado y alentado para la introspección autocrítica de los artistas siendo documentado de forma audiovisual y exhibido al público para una mayor comprensión del trabajo desarrollado.
El hilo conductor de la exposición refleja la pérdida de entidad del objeto artístico como producto acabado, tomando mayor importancia el discurso que lo alienta y su proceso de creación. “El arte se desmaterializa y pasa de ser un producto a una práctica” (Lucy Lippard en 1972, “desmaterialization of the art object”).

El espectador en un acto de voyeurismo, puede observar un trabajo de investigación reflexivo de cada uno de los componentes de la muestra, no se trata de una exhibición de obras acabadas, sino de adentrarse en el taller de cada uno de los artistas e indagar en su intimidad artística, en su quehacer artístico y el trabajo intuitivo de búsqueda de referencias que alienten a la catarsis que supone materializar las ideas, delatándose y evidenciando una concepción del arte singular y propia de cada uno de ellos.

El arte puede ayudarnos a construir un contexto cultural que sea más favorecedor a los procesos de creación, a su soporte, para que al final todos podamos disfrutar del arte, tomando conciencia del trabajo que se lleva a cabo antes del vernissage.

Toda obra de arte es un instante; toda obra de arte conseguida es una adquisición, un momentáneo detenerse del proceso, al manifestarse éste al ojo que lo contempla. Si las obras de arte son respuestas a sus propias preguntas, también se convierten ellas por este hecho en preguntas. Theodor W. Adorno “Teoría estétic” (1969).

Considero fascinante ofrecer la posibilidad de poder abrir la puerta entreabierta de los talleres de Hangar, poder entrar y ver cómo construyen, elaboran, piensan y garabatean un papel tras otro. Sin duda una oportunidad para el conocimiento.


Justificación

 

NOTEBOOK, más allá de fotografiar cuadernos de trabajo, consiste en generar un contexto de reflexión en el que se analice la importancia del trabajo creativo que precede a la exhibición y a la difusión, con la ambición de generar un diálogo entre los agentes culturales para revalorizar una fase de trabajo que por falta de visibilidad o desconocimiento puede pasar desapercibida, siendo, en esencia, lo que constituye el germen de lo que venimos a llamar Arte. Se trata de cuestionar y evaluar el valor que la sociedad actual da al trabajo de producción artística.

En este trabajo de investigación se intenta comprender la relación que existe entre los procesos de creación artística y los contextos culturales que los inspiran, motivan y determinan.

Consiste en una exposición que pretende romper el hermetismo unidireccional del arte, salir de las categorías convencionales de exhibición, recuperando el sentido del arte como elemento de reflexión del imaginario colectivo, la narración de procesos conceptuales, haciéndolos más inteligibles acercándolos al espectador, vislumbrando la genialidad artística en una abstracción teórica que nos acerca al artista y a su obra.

Los artistas, todos ellos residentes en Hangar, reflejan a modo de imagen conceptual o boceto, la reflexión autocrítica del desarrollo conceptual y artístico de su trabajo enfrentándose para ello al papel en blanco. (como si les hubiésemos robado una hoja de su cuaderno de notas).