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Intermission

Galería

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Sinopsis

 

“Intermisión” es un espacio que se yergue en medio de otro. Éste puede tener relación al cual se circunscribe o no, pero se caracteriza por irrumpir en el correcto flujo del que corta. Siendo este el caso, se pretende hacer uso del término como una grieta que crece dentro de la información predominante, haciendo de la subyacente la intermisión protagonista.


Descripción

 

SEBASTIÁN CABRERA

The abandoned bed. Ref: tightwarmwetsexxx.mov
Óleo sobre tela, 116×89 cm, 2012

Countless photocopies of a book in blank
Video en loop, 3min, 2012

Las piezas The abandoned bed. Ref: tightwarmwetsexxx.mov y Countless photocopies of a book in blank actúan a través del tema “Intermisión” para abordar el concepto del pliegue y sus cualidades de exhibir y de ocultar.
The abandoned bed. Ref: tightwarmwetsexxx.mov reproduce una imagen capturada de un video porno amateur en el momento en el cual los protagonistas abandonan la escena, dejando a la luz el escenario del acto sexual. Mientras que Countless photocopies of a book in blank comprende un conjunto de fotocopias de un libro en blanco que, debido a la ausencia de la luz, hacen surgir el pliegue oscuro.

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DANIEL PÉREZ, ARIADNA SERRAHIMA

A Lover’s Discourse: Appendix

This piece compiles a series of actions that are the result of two people reading A Lover’s Discourse: Fragments by Roland Barthes. During the act of reading, every thought that surfaced (considered an intermission) has been materialised and catalogued. This piece is an exercise in giving form to a reader’s imaginary, and in this way highlight the common act of reading. Therefore, the content of this piece works as a visual insert to its source, A Lover’s Discourse: Fragments. The outcome of this process is a visual Appendix that reflects a conversation between two people wondering about Love.

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JUAN DIEGO TOBALINA

Into Dark

Video monocanal, blanco y negro y audio, 5´20″, 2011
Pieza hecha a partir de trozos de otros vídeos recogidos de internet, en donde se aprecian personas en el mismo instante en que empiezan a quedarse dormidas. El vídeo se vuelve una colección de lo que se podrían llamar “pequeños fallos” en la correlación diaria, tomando a este hecho natural como algo extraño y confuso.

Neri

Audio Stereo 11´20″ e impresión en blanco y negro 20 x 20cm, 2011
Pieza hecha a partir de audios recogidos de internet, es la mezcla del sonido de varios terremotos, que en conjunto serían el de mayor duración y conformarían una intermisión catastrófica.

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CARLA TRAMULLAS

Conversación 1
Fotografía color 30 x 45 cm, tríptico, 2011

Conversación 2
Fotografía color 30 x 45 cm, díptico, 2011

Conversación 3
Fotografía color 30 x 45 cm, 2011

Conversación 4
Fotografía color 30 x 45 cm, 2011

Estas fotografías constituyen el registro visual de una serie de conversaciones de carácter privado realizadas utilizando la cámara como espacio para la confesión. El mensaje de naturaleza invisible (el oral), se emite a través de un medio visual (el fotográfico); la palabra es interrumpida, queda enmudecida e inescrutable al ser fotografiada.

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Work in progress

Galería

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Sinopsis

 

Andrea Michaelsson (Btoy) trabaja la técnica del esténcil desde el año 2001, y desde entonces se ha ganado un lugar preferente en el panorama internacional de arte urbano. Invitada por Baksy al Cans Festival de Londres en el 2008, entre los cincuenta mejores artistas de esténcil del mundo, actualmente, expone con regularidad en galerías de Barcelona, París, Milan, Londres y EE.UU.


Descripción

 

Puertas, callejones, paredes anónimas, muros vetustos son el soporte habitual que Andrea Michaelsoon usa para difundir su obra. Aunque en esta ocasión, además de presentar una sería de obras recientes, serán las paredes del KKKB el soporte sobre el que ejecutará una serie de murales.


Justificación

 

Tradicionalmente Andrea focaliza su trabajo en la imagen de la mujer cuestionando la construcción icónica de la feminidad en el tiempo. Rebusca en la iconografía del Hollywood de la primera mitad del siglo XX, desde el cine mudo hasta las comedias de los 50, para devolvernos imágenes que interpelan más la contemporaneidad que el pasado. Sus retratos nos miran directamente y sus personajes nos obligan a reflexionar sobre paso el tiempo y sobre nosotros mismos en ese devenir.

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Lorem Ipsum

Galería

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Sinopsis

 

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Descripción

 

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MARINA Mix – ALDO feat TURNER

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Sinopsis

 

La obra de Aldo Larburu presenta una apariencia muy particular y reconocible: manchas de color planas en composiciones satinadas y brillantes sin rastro de muesca gestual. Desde hace más de seis años, el artista desarrolla su trabajo en series bajo una directriz que – irónicamente – podríamos resumir como a base de Titanlux y Metacrilato. ¿Porqué somete Aldo a las imágenes a un proceso de plastificado y enfriado, a una especie de castigo industrial? Su obra da la impresión de que quisiera despojar de emoción al relato histórico.


Otros textos

 

La técnica con la que el artista lleva a cabo sus pinturas se deduce de una búsqueda paciente y depurada. Combinando modos de hacer propios de procesos industriales, junto con otros empleados en restauración y la decisiva experimentación con materiales sintéticos, plásticos y esmaltes, el autor ha llegado a un punto determinante de identificación personal con su procedimiento. Hay mucho de artesanal en su manera de aplicarlo: con paciencia y manualmente. Para después, paradójicamente, ofrecer un resultado que busca la impersonalidad. Técnicas calientes para resultados helados: Aldo va encontrando el equilibrio que bascula entre lo que lo que los materiales obligan a decir, y su propia voz. Para esto, ha debido de crear y respetar una especie de “Decálogo pictórico” propio, que ejecuta con pulcritud.

En la búsqueda de la asepsia, Aldo bebe de la brecha abierta que supuso el Pop, y muy especialmente Warhol en su intención serigráfica de burlarse del arte, demostrando que podía hacerse en serie, imitando las dinámicas de producción propias de la sociedad de consumo. En su trabajo, una especie de espíritu pop pasa por el túrmix los géneros clásicos de la historia del arte, como el desnudo, los paisajes, o – en esta ocasión – las marinas, género de altísimo contenido emocional, como hicieron patente maestros como Friedrich o Turner. Aldo aseptiza estos temas, pero como en este enfriamiento la médula no se extravía, resulta que no pierden ni un ápice de calor.

¿Cuál es esa médula que no se hiela? La luz. He aquí uno de los grandes temazos que conciernen a lo pictórico, cuestión casi de calado filosófico, e hilo discursivo perenne a lo largo de tola la Historia del Arte. Y es que en esencia, este trabajo de Aldo Larburu trata sobre la luz. Su reto ha sido el de sintetizar a máximo los impactos en la retina, y poder retransmitirlos de nuevo con colores planos e industriales, empleados estrictamente como se ofrecen en la paleta de las marcas TITAN y BRUGER: sin mezclar. Es la luz laminada al máximo.

Las resonancias a la imagen psicodélica propia de carteles y estéticas de rock’n’roll de los 60 y 70, así como de la cultura más primitiva de las drogas de diseño, potencian muy posiblemente ese vuelo que toma la fantasía dentro de las pinturas de Aldo. No olvidemos que el término “Psicodelia”, acuñado en el campo de la psicología alude a “aquello que manifiesta el alma”.

En relación a visiones poliédricas como la psicodélica, sus pinturas ofrecen diversos niveles de percepción: de cerca observamos una composición abstracta en la que prima el flirteo entre las manchas de color; vistas de lejos, revelan finalmente la imagen reconocible de un atardecer o un amanecer sobre el mar, momento de confluencias del mundo del día y de la noche, que simbólicamente representa el equilibrio cósmico.

Experimentada en conjunto, la serie MarinaMix transmite un cierto espíritu positivo y esperanzador. Habiendo pasado el paisaje por el trance de haberle sido arrancado lo emotivo (en realidad, la gestualidad característica de lo pictórico), la descomposición resulta finalmente, en una epifanía de luminosidad y optimismo. Ciertamente mística.

Texto: Mery Cuesta

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The Collection

Galería

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Sinopsis

 

The Collection es fruto de la colaboración entre Néstor Delgado (Santa Cruz de Tenerife) y Rasmus Nilausen (Copenhague). Es una exposición en formato de dúo. La interacción e instalación de la muestra se propone, pues, una reflexión sobre la idea de colección, a la vez que de la figura del autor pictórico.


Otros textos

 

La imagen a través (dueto)

La imagen aparece. El pincel frota la tela y la imagen aparece. ¿Elegimos las imágenes?

Un día escribí sobre mis recurrentes encuentros con naipes en las aceras de mi ciudad natal. Se entreveraban con mis pasos en mí deambular por las calles. No sabía si yo iba al encuentro de ellos o, a la manera de un mensaje cifrado, los naipes me enviaban señales escondidas, palabras, comentarios sincrónicos o premoniciones bienintencionadas, avisos.

Imaginemos por un momento a Perec haciendo el inventario de lo que Borges le dicta al oído mientras contempla el Aleph en aquel sótano oscuro de Buenos Aires. Néstor Delgado y Rasmus Nilausen se aplican a la imposible y fracasada tarea de clasificar la iconografía del mundo. Pero en ese vano intento, la imagen aparece.

Pintar es parar el tiempo, aquietar la imagen. Mi amigo Serafín diría “apretar el botón de Pausa”. ¡Que se pare el tiempo! En el hipersaturado perpetuum mobile contemporáneo en que estamos sumidos esto suena a un pequeño y sustancial acto revolucionario (dentro de poco sólo dormir y cerrar los ojos nos mantendrá a salvo).

Aquietar la imagen para salvarla. La pintura devuelve a la imagen el tiempo que la experiencia guarda para sí. Pintamos el tiempo –la calidad del tiempo mirado– en una imagen quieta. Delgado y Nilausen apuran la pincelada en un amoroso y certero wet on wet a sabiendas de la imposibilidad de la mimesis. Quieren nombrar a dúo, conscientes de que el mundo es muy grande para cantarlo solo. En este coro bien entonado la imagen aparece clara. Estas imágenes inteligentes nos recuerdan que pintar no es representar. Miro esta colección de imágenes. En breve, mi mirada atravesará el plano (como abducido por el hueco de una pintura de Fontana) y veré los pliegues que las imágenes guardan para sí, el doblez que las completa, desvela y desnuda.

Pero ante estas obras mi desasosiego continúa: ¿eligen las imágenes? O mejor dicho: ¿elegimos las imágenes? Del infinito cuerpo del Aleph borgiano, del caótico menú que nuestra mirada guarda, de toda nuestra experiencia transversal con el mundo y con las cosas, ¿qué imagen elegir? Dicen que la intuición es la inteligencia de la subjetividad. Sabemos que el mundo se piensa imaginando. Estos eclécticos fragmentos del paisaje que Delgado y Nilausen hacen aflorar descentran el mundo y nos salvan, aunque sólo sea por un instante, del ensimismamiento. Apuntan indiscriminadamente en todas direcciones y me hacen abundar en la sospecha de que somos menos autores de lo que creemos y de que también la imagen, el paisaje y el mundo nos miran.

Yamandú Canosa. Barcelona, mayo de 2011.

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Je suis Alice

Galería

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Sinopsis

 

Moi, Violeta Gomez, je suis Alice.
Mais pas l’Alice de Carroll.
Pas l’Alice anglaise, pas l’Alice des merveilles.
Je suis la vraie Alice.
L’Alice des forêts, l’Alice des contes enfantins, l’Alice française.
La tarda daurada mai no va existir.
La barca mai no deixà de ser arbre.
Lewis Carroll mai no conegué l’Alice.
Andersen i els germans Grimm van albirar fugaçment l’Alice en els ulls de Perrault.
Alice française, Alice catalane.
Alice perdue dans les bois de la Bretagne.
Alice perduda en la muntanya sagrada de Collserola.
Qu’est-ce que c’est Je Suis Alice?
Ce n’est pas une fantasie.
La fantasie c’est de l’irréel.
Je Suis Alice c’est une vision.
La vision c’est du sacré.


Descripción

 

L’hivern del 2004, el periodista i productor musical Luis Troquel va demanar a Violeta Gomez unes cançons per a un projecte de disc de la cantant Jeanette que havia de ser arranjat i dirigit per Refree i que posteriorment va ser cancel•lat. Una de les cançons que Violeta va compondre va ser Je suis Jeanette.

El desembre del 2008, l’IEF de Catalunya descobria unes fotografies inèdites de Lewis Carroll en una ermita de Collserola.
Tots dos fets tenen com a resultat lògic el projecte Je suis Alice, les aventures de l’Alice al món màgic de Collserola. Per què Alice i no pas Alícia? Ja està explicat. A més, la utilització del nom en francès serveix a l’artista per una part per allunyar-se de la creació de Lewis Carroll (que no l’interessa gaire) i per l’altra per acostar-se als orígens francesos del mite (i de la major part dels contes de fades), i més enllà encara per reivindicar les arrels franceses i europees de bona part de la cultura tradicional catalana. Tot això, a més d’un viatge esotèric al món infantil i a la Collserola més pregona, és Je suis Alice.

Les fotografies de la sèrie Je suis Alice mostren l’Alice en diferents indrets pintorescos de la serra de Collserola, com ara la Font d’en Ribes, la Font Groga, les ruïnes del monestir de Santa Maria de Valldonzella i, és clar, l’esglèsia de Sant Pere de Romaní. Actualment, set d’aquestes fotografies es poden veure a l’expo 33-66! a la Swallow Gallery en una fase inicial del projecte. Sèrie fotogràfica en procés.

El projecte té molta relació amb altres obres meves anteriors també fetes a Collserola, com ara:
• La sèrie de fotografies i vídeo Shiki (les quatre estaciones), part 2: tardor. Inèdita, 2007.
• La vídeo-instal•lació Aparicions marianes a Collserola. Can Felipa, 2008.
• La sèrie de fotografies i vídeos Aventures a Collserola. Inèdita, 2009-2010.

Tot plegat constitueix un corpus de treball que reclama l’espai natural de la serra de Collserola com a espai artístic i com a porta a la dimensió dels somnis. És a dir, com a un gran visionary environment natural.

Je suis Alice reivindica també:
• Les reveries enfantines.
• El neovictorianisme.
• Tradicions catalanes relacionades amb la natura i el cicle de l’any com ara els aplecs, les fontades, etc.
• Un art popular alhora que avançat: allò que reclamava el modernisme català. Aquest nexe és evident perquè alguns dels indrets que surten com a escenari a la sèrie són fites del modernisme integrades dins la natura.

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En-corps. Poéticas y políticas del cuerpo

Galería

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Sinopsis

 

En-corps es un work in progress que intenta investigar desde y con el cuerpo formas no-representacionales de posicionarse y producir dentro del orden de lo imposible. Lo imposible como aquello que se encuentra fuera del orden de lo simbólico y en tanto tal no puede ser dicho ni pensado, pero puede ser encarnado. Encarnación que al desafiar los Nombres-del-Padre, deviene espacio de visceralidad radical en donde lo personal (y lo carnal) vuelve a ser político. Se trata de hacer visible una ética y estética de lo corporal en donde lo poético y lo político se encarnan en un cuerpo que deviene espacio de acción, re-flexión y resistencia. El proyecto no quiere mostrar una determinada realidad de el/los cuerpo-s, sino más bien señalar un recorrido que pueda dar cuenta de el-los tránsito-s que, mediatizados por el cuerpo, van de la-s realidad-es a lo Real.


Descripción

 

La sublevación de los valores corporales y orgiásticos es una rebelión contra la doble condenación del hombre: la condena al trabajo y a la represión del deseo. Para el cristianismo el cuerpo humano era naturaleza caída, pero la gracia divina podría trasfigurarlo en cuerpo glorioso. El capitalismo desacralizó el cuerpo: dejó de ser el campo de batalla entre los ángeles y los diablos y se transformó en un instrumento de trabajo. El cuerpo fue una gran fuerza de producción. La concepción del cuerpo como fuerza de trabajo llevó inmediatamente a la humillación del cuerpo como fuente de placer. El ascetismo cambió de signo: no fue un método para ganar el cielo, sino una técnica para acrecentar la productividad. El placer es un gasto, la sensualidad una perturbación. La condenación del placer abarcó también a la imaginación, porque el cuerpo no sólo es un manantial de sensaciones sino de imágenes. Los desórdenes de la imaginación no son más peligrosos para la producción y el rendimiento óptimo que los sacudimientos físicos del placer sensual. En nombre del futuro se completó la censura del cuerpo con la mutilación de los poderes poéticos del hombre.
Así, la rebelión del cuerpo es también la de la imaginación. Ambos niegan al tiempo lineal: sus valores son los del presente. El cuerpo y la imaginación ignoran el futuro: las sensaciones son la abolición del tiempo en lo instantáneo, las imágenes del deseo disuelven pasado y futuro en un presente sin fechas”.

Octavio Paz. El ocaso de la vanguardia


Justificación

 

El proyecto está pensado como un espacio de observación de artefactos visuales pero también de reflexión y experimentación en el cual el observador-participante pueda sentirse implicado con lo que allí se encuentra. Es por ello que la configuración espacial estará basada en una lógica no positivista que se vertebra a partir de los posibles recorridos aleatorios y personales del observador. El planteamiento general es el de una gran instalación formada por diferentes mini instalaciones que en su conjunto, interrelación y entrecruzamiento propondrían un relato que intenta poner en evidencia que el cuerpo carga “con la gran responsabilidad de la carne”. Las distintas piezas que forman la instalación no llevarán ningún tipo de identificación individual para remarcar así el carácter transversal y multivocal. Asimismo formarán parte del montaje una serie de textos que se colocarán en las paredes que si bien se relacionan con la línea discursiva de las piezas no intentan explicarlas ni hablar de ellas sino ser un sustrato más dentro de las posibles lecturas del conjunto.
Entiendo el ámbito expositivo como una continuación del espacio de trabajo y es por ello que conjuntamente con las piezas que se muestren enseñaré también diferentes aspectos del proceso de trabajo.

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BackPlay

Galería

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Sinopsis

BackPlay es PlayBack, pero al revés. El playback remite a un referente, a su vez inserto en una cadena de apropiación, interpretación, y repetición; al darle la vuelta, difícilmente llegaremos al original, limpiamente desandando lo andado. Las piezas que se presentan en esta exposición muestran la manera en que lejos de una vuelta atrás, lo que resulta de este ejercicio es un experimento irresoluble; una recombinación de jerarquías y significados tan caótica como poética, a la que no le queda más que reírse de sí misma, y seguir intentándolo.


Descripción

Texto: Gabriel Pericàs

“El espacio: la última frontera. Estos son los viajes […], una misión […], dedicada a la exploración de mundos desconocidos […]”

Extracto de los créditos de inicio de la serie Star Trek.

El título, BackPlay, responde a un ejercicio simple de inversión de la palabra PlayBack. Este giro es ilustrativo de cierta metodología, más o menos ingenua, que sin embargo hará uso de complicados procesos de resignificación de referencias. Este procedimiento, y la despreocupación por la efectividad real del método, es lo que posibilita a Ainara Elgoibar (Bilbao, 1975) llevar a cabo una suerte de experimentación doméstica que idealmente respondería a cuestiones tan potencialmente poéticas como, diremos, difíciles de resolver.

En la sala encontramos tres piezas. Las tres comparten un interés por el análisis y la utilización de referentes de muy diversa índole. Por un lado la reconstrucción y manufactura de material físico, las más veces hardware reciclado y, por otro lado, el estudio y reutilización de material teórico; citas, referentes e información fruto de una investigación tan exhaustiva como sui géneris.
Ideas como el tiempo, el sonido, el espacio, la repetición, la percepción, etc. son toscamente materializadas en forma de experimentos domésticos con tecnología simple cargados de cierta actitud idealista, soñadora; irónica y felizmente lunática.

El primer trabajo que encontramos, titulado ¨Then We Do It All Over Again (After Moebius) ¨ (2009), es una instalación audiovisual que consiste en un televisor en el suelo, recolocado en horizontal -de modo que la pantalla proyecta la imagen hacia el techo- acompañado de un reproductor de DVD. En la pantalla se reproduce un vídeo algo perturbador. Es un fragmento de una secuencia del capítulo Time Squared de la serie de ciencia ficción Star Trek. Este fragmento de vídeo es una suerte de respuesta/homenaje a un tema del Brow Album de Orbital. El vídeo repite la frase “Then we do it all over again” [después lo hacemos todo otra vez] reproducido en phasing tal como hizo Orbital con la frase “When time becomes a loop” . Además, la imagen está enmarcada dentro de un círculo y rota sobre su propio eje remitiendo -también debido a su horizontalidad- al movimiento de los discos de vinilo, a su tradición y su narrativa. El último giro deconstructivo tiene que ver con la colocación premeditada de los altavoces en el techo, proyectando el sonido hacia abajo. Emitiendo el sonido y la imagen desde puntos diferenciados Elgoibar logra alterar la percepción clásica de la imagen televisiva del mismo modo que pone en duda, de la mano en este caso de la ciencia ficción y de los recursos propios de la música electrónica, la percepción natural del tiempo. Y no olvidemos el desenfado, desde luego. Y el mareo.

La segunda pieza que podemos escuchar, “Useless Metronome” (2010), es un prototipo simple de un experimento llevado a cabo por la artista en un intento por invertir la relación entre la música y el tempo. La pieza es una pareja de aparatos compuesta por un metrónomo eléctrico modificado y una radio. Si la lógica razonable conduce a pensar que el tempo, representado en este caso por el metrónomo, es el que debe indicar el ritmo que una música -cualquiera que sea- debe seguir; en este caso la dependencia es inversa. Es decir, mediante un simple sistema de hardware construido por la artista, se consigue que sea la música la que dicta el tempo que el metrónomo marca. Es el metrónomo el que detecta y obedece al ritmo que la música emitida por la radio impone. Así, Elgoibar introduce un giro de 180º en el proceso habitual de construcción del audio resultado del cual es este objeto manipulado cuya finalidad y utilidad no debe preocuparnos lo más mínimo.

El tercer trabajo que encontramos, ¨You Never Know (n)¨ (2010), es un dispositivo excéntrico, raramente iluminado, incrustado en un palé -remitiéndonos a una posible idea de ‘puesta en escena’- y emitiendo, dicho sea de paso, un ruido un tanto molesto. Este sonido no es más que la prueba fehaciente del fracaso de un experimento que trata de traducir a sonido dos composiciones gráficas complejas y que abarcan mundos cuyos tamaños son exponencialmente opuestos: Un mapa de los cielos y un esquema del patrón de crecimiento de un quasi-cristal . El sistema, pues, funciona de la siguiente forma: Sendas imágenes han sido fotograbadas sobre dos planchas de cobre de forma circular y del tamaño aproximado de un disco de vinilo. Sobre ambas, una aguja de tocadiscos trata de reproducir el sonido que generan los surcos dibujados en las planchas. Los cabezales están conectados a los extremos de un brazo que comunica la señal a un amplificador que a su vez transmite la señal a un altavoz que genera un ruido que, pese a todo y como en los ejemplos anteriores, no resulta revelador en absoluto.

En cualquier caso, esta mística de la construcción de artefactos resulta altamente estimulante pese a, o debería decir debido a, la frustración de cualquier tipo de resultado rentable. Una actitud, por inventar un término, cronoestusiasta, como consciente de que, total; lo que sea que pasó pasará de nuevo.