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The Wanderer

Galería

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Sinopsis

 

The Wanderer – secuencias 1 y 2.
Artista: Laure Prouvost

Un proyecto de SCREEN Festival para el KKKB, organizado en colaboración con FLAMIN en el marco de la sección del festival titulada What about production? en la que distintas plataformas implicadas en la producción artística audiovisual presentan sus producciones más recientes.

Un projecte de SCREEN Festival per al KKKB, organitzat en col • laboració amb Flamin en el marc de la secció del festival titulada What about production? en la qual diferents plataformes implicades en la producció artística audiovisual presenten les seves produccions més recents.

A project for KKKB SCREEN Festival, organized in collaboration with FLAMIN under the section of the festival entitled What about production? in which different platforms involved in audiovisual art production present their latest productions.


Descripción

 

The Wanderer es un trabajo en curso de Laure Prouvost, una artista con una producción audiovisual muy genuina que ha desafiado siempre de manera exquisita el modo en que se construye y se consume el discurso audiovisual.

The Wanderer, primer trabajo en el que intervienen a Un projecte de SCREEN Festival per al KKKB, organitzat en col • laboració amb Flamin en el marc de la secció del festival titulada What about production? en la qual diferents plataformes implicades en la producció artística audiovisual presenten les seves produccions més recents.ctores y equipo de rodaje, está planteado en seis secuencias narrativas de las cuales sólo las dos que se exponen en el KKKB – The Storage y Betty Drunk están completadas. Se basa en un guión del artista Rory Macbeth quien, sin ningún conocimiento de alemán tradujo una novela de Franz Kafka al inglés. La película sigue a una serie de personajes sometidos a experiencias cada vez más bizarras y misteriosas, cuyo recorrido hace de la realidad algo cada vez más incierto.

Film London Artists’ Moving Image Network (FLAMIN) apoya artistas que residen en Londres y que trabajan en el ámbito de la imagen en movimiento. FLAMIN Productions es un programa de subvenciones único que encarga trabajos monocanal que representan un salto significativo en las carreras de los artistas.

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Reflejos Imposibles

Galería

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Sinopsis

 

”Reflejos Imposibles” pretende recrear un espacio imposible de reflejos.


Descripción

 

El artista se sirve del espejo como medio de reproducción de la realidad circundante. Juega con ellos, crea volúmenes escultóricos e incide en el propio espacio de la galería para presentarnos, a modo de metáfora, aspectos sesgados de un mundo cambiante, variable en función siempre de condiciones exógenas. El espejo nos remite a la noción de la perspectiva y actúa en la instalación como un factor multiplicador de la realidad, al tiempo que la fragmenta.

En “Reflejos imposibles”, el espectador podrá adentrarse en un territorio arquitectónico abstracto, dimensional, geométrico, lleno de ángulos y perspectivas imposibles que flotan en el espacio, en el cual una música especialmente compuesta para la instalación le sugerirá distintos caminos.

————————— (Eng) —————————

”Impossible Reflections” aims to recreate an impossible space of reflections.

The artist uses the mirror as a means of reproducing the surrounding reality. Play with it, creates sculptural volumes and affects the space of the gallery to introduce, as a metaphor, biased aspects of a changing world, always variable depending on exogenous conditions. The mirror brings us to the notion of perspective and works in the installation as a multiplier of reality, breaking it at the same time.

In “Impossible Reflections” the spectator will enter an abstract architectural territory, dimensional, geometric, full of impossible angles and perspectives that float in space, in which the music specially composed for the installation will suggest different ways.

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TU TAKE AWAY

Galería

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Sinopsis

 

La exposición que presentamos es la resultante del dialogo entre 7 artistas que comparten el mismo espacio de creación, con inquietudes que en algunos casos resultan dispares y en otros casi paralelas. A partir de esta relación se crean de manera natural diálogos entre diferentes esferas imaginarias, hasta producir un registro expositivo fruto del convivio mental y plástico dado durante un tiempo determinado, en una especie de trasposición del espacio de trabajo y el expositivo.


Descripción

 

Sólo se definieron las reglas de juego iniciales, buscando estructurar una visión coral de la realidad que aunase plásticamente las inquietudes de este grupo de artistas que, aunque normalmente trabajan individualmente, se han constituido en colectivo para desarrollar este proyecto.

Cada uno de los artistas, en su trabajo individual, aborda conceptos y despliega estrategias bien diferenciadas. Sin embargo para esta exposición han querido poner el acento en la manera en la que el trabajo individual afecta una propuesta colectiva. Experimentando sin complejos con distintos materiales e investigando otros lenguajes que los propios plantean una analogía de las relaciones humanas y como estas interfieren y afectan el quehacer individual en todos los aspectos de la vida.

“Creemos que lo interesante de este proyecto es compartir la individualidad y llevar al límite la experiencia colectiva, abrir la mirada hacia lo que el otro hace y permitir que impregne el imaginario personal, lugar que convencionalmente se considera hermético y casi sagrado, es poner a prueba los límites y las reglas que nos autoimponemos para ver qué emerge de ello, porque queremos investigar las posibilidades de nuestro propio lenguaje por medio de la mirada del otro y de nuestra vivencia diaria en un espacio común: el TALLER.”

Artistas:

– Alexandre Madureira
– Dani Buch
– Javier de Cea
– Marta Zafra
– Nuno Carvalho
– Sebastián Boesmi
– Werner Thoni

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Museo Imaginario

Galería

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Sinopsis

 

El Museo Imaginario de Alexandre Madureira muestra hasta que punto estamos inmersos en juegos kizi, un tótum revolútum de registros comunes en el que los iconos, el conocimiento, el imaginario colectivo, etc., nos condicionan como seres culturales. De lo general a lo individual, de lo colectivo a lo personal, en un equilibrio de “fuerzas” entre la alta cultura y cultura popular. Placer y amor por la pintura.


Descripción

 

La pintura artística es una práctica que corresponde a una búsqueda personal de una imagen visual que pueda dialogar con el espectador. Existen bases técnicas elementales para la concretización de la pintura como pueden ser composición,
equilibrio, ritmo, forma o color.

No obstante, la pintura es ante todo una expresión de ideas, pensamiento o sentimientos.

En el proyecto de Alexandre ese médium continua siendo el canal conductor de su obra en una especie de sobre-posiciones de técnicas y contenidos.

En una sociedad capitalista, donde el consumo de productos e imágenes es tan determinante, Alexandre se apropia del lenguaje de las imágenes tomadas por los medios de comunicación y el estilo de vida del siglo XXI, tan característico del movimiento artístico Pop Art. En su proceso de creación existe la intencionalidad de utilizar juegos de plants vs zombies en fragmentos de la historia del arte o del lenguaje popular separándoles de su contexto, relacionándolas con otros universos o resaltando el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural através del uso de la ironía. Estas características hacen que las pinturas sean fragmentos de varios aspectos de la historia, como una especie de lenguaje cubista multifacético en el modo de mostrar los diversos temas
retratados o representados.

Vivimos en un periodo donde las tecnologías forman parte de nuestra rutina diaria y debido a la velocidad de la información, la noción del tiempo y del espacio es cada vez mas acelerado. Las pinturas de Alexandre tienen una fuerte relación con esa aceleración temporal que esta implícitamente asociada al modo como se apropia de diferentes imágenes, las transforma o contextualiza en periodos de tiempo que parecen muchas veces no tener sentido. Esa contradicción es asumida y reforzada por la actitud de un pintor que trabaja a partir de soportes clásicos como pueden ser el lienzo o los acrílicos, pero retrata los diferentes elementos que pinta como si fuera un lugar sin restricciones de temporalidad.

La sociedad de la información o contra-información podría ser vista como metáfora de las pinturas de Alexandre, e Internet como el campo de acción donde la sobreposición de la historia no parece intimidarse con restricciones ideológicas o catalogaciones ordenadas.


Otros textos

 

Entrevista a Alexandre Madureira:

Quiero pensar que André Malraux habría visto con buenos ojos una herramienta como Internet. Ya en su Museo Imaginario especulaba sobre el potencial de la fotografía para desarrollar espacios expositivos globales, un concepto que ha servido de inspiración a Alexandre Madureira, pintor portugués afincado en Barcelona, para desarrollar su propio Museo Imaginario, una revisión de grandes clásicos desde una óptica pop y conceptual.

“Son pinturas que, por un motivo u otro, me gustan mucho y admiro. Pero también intenté elegir obras que tuvieran mucho que ver con la memoria colectiva. Quería que cualquier persona, no sólo los entendidos en arte, mirara a los cuadros y pudiera extraer una lectura de ellos. Son cuadros muy públicos, no es necesario pertenecer al mundo del arte. Algunos son más asequibles que otros, como por ejemplo Las Meninas, que casi todo el mundo conoce.”

Pero la experiencia museística va más allá de la elección de las obras, porque uno de los elementos más vistosos de sus lienzos son las franjas blancas en las que figura el nombre del cuadro y otra información relevante. “Yo, con 35 años, y gracias a los libros e Internet, conozco más pintores que Picasso en su época. Muchos de ellos sólo los he visto impresos. Por eso, si cierras los ojos y piensas en un cuadro, te viene a la cabeza la obra con el margen blanco y toda la información.” Información que, en su caso, surge de frases y títulos de canciones, desde Cyndi Lauper a Rage Against The Machine. Influencias que abarcan su infancia y adolescencia y que beben del cine, la música y los videojuegos, como por ejemplo, las barras de energía que flotan sobre su personal visión del Venus y Marte de Botticelli, en una clara referencia al clásico Street Fighter II. Ya sea de forma explícita o sutil, Alexandre es un artista que da gran importancia al concepto y al mensaje, escondiendo siempre alguno entre sus obras.

Aficionado al gran formato, llegar a un resultado final implica por lo general tres meses de trabajo en los que “está todo pensado. No hago esbozos, todo está en la cabeza. Sé cómo va a quedar y la única sorpresa que puede surgir es la elección de un color. Es una idea casi cerrada y un trabajo que sigue un programa.” Aunque, en ocasiones, hace “ataques” a otros estilos y su procedimiento cambia radicalemente. “En esas obras hablo de pintura en un sentido más libre y placentero, pincelada sobre pincelada, donde nunca sabes cómo va a salir.”

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Tan Cemal Genç: Antología de un ciudadano de Estambul

Galería

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Sinopsis

 

Tan Cemal Genç (Estambul, 1967) es un artista completísimo. Dibujante, humorista gráfico y realizador de vídeo, Tan Cemal es en Turquía una figura célebre debido a las tiras cómicas que publica semanalmente en el diario Radikal, uno de los de mayor tirada del país.


Descripción

 

Le conocí en mi primer viaje a Estambul y a partir de ahí no hemos parado de colaborar juntos. Me prometí a mí misma que, en cuanto tuviera oportunidad, le organizaría por fin la exhibición que se merece.

La ciudad de Estambul y los avatares de la vida cotidiana son los pilares temáticos sobre los cuales Tan Cemal erige su obra. Sus vídeos, sus dibujos y sus historietas tratan de temas como la inseguridad de las viviendas, los sábados de baile y juerga, la presencia militar en las calles, o figuraciones poéticas sobre los dos lados de Estambul (uno en Asia y otro en Europa), sumando en conjunto una visión muy personal sobre el día a día de un creador intensamente comprometido con su ciudad y con su oficio de dibujante y animador, a cuyos gajes hace continuamente referencia.

En esencia, en cada trabajo de Tan Cemal reside una reflexión sobre la naturaleza del ser humano que, combinada con las técnicas gráficas que maneja asombrosamente, hace que sus obras tomen un aire humanístico, de reflexión sobre los elementos que construyen el día a día de todos aquellos que vivimos en las ciudades. Tan Cemal combina su maestría en animación y stopmotion con técnicas gráficas tradicionales turcas como el dibujo de una sola línea, el virtuosismo caligráfico o los efectos ópticos con trazo negro que él denomina “dibujos rítmicos”.

El humor y una cierta mística son las sustancias con las que Tan Cemal hace volar sus visiones de ciudadano de Estambul, erigiéndose todo el conjunto como un canto rebosante de optimismo sobre el ser humano.

La exposición es una antología de todo su trabajo en incluye sus carismáticos dibujos ‐ rítmicos y de una sola línea ‐, los videoclips realizados para conocidas bandas estambulitas como Pinhani o DDR, sus vídeos domésticos y algunas de las páginas de humor gráfico para el diario Radikal. Así mismo, Tan Cemal realizará una intervención específica sobre la pared de la galería.

M.C.


Otros textos

 

Tan Cemal Genç: Anthology of a citizen of Istanbul

Humour, drawing and video
Opening: October 31, 2012 | KKKB Art Showroom

An exhibition curated by Mery Cuesta

As Cemal Genç (Istanbul, 1967) is a very complete artist. Artist, cartoonist and video producer, Tan Cemal is a celebrity in Turkey because he weekly publishes his comics in the newspaper Radikal, one of the largest circulation publication in Turkey. I met him during my first trip to Istanbul and since then we have not stopped working together. I promised myself that as soon as I had a chance, I would finally organize the exhibition that he deserves.

The city of Istanbul and the vicissitudes of daily life are the thematic pillars on which Cemal builds his work. His videos, drawings and cartoons deal with issues such as housing insecurity, Saturday night dance and parties, the military presence in the streets, or poetic figurations about the two sides of Istanbul (one in Asia and the other one in Europe), gathering a very personal set of views about the daily life of a creator who is intensely committed to his city and his job as cartoonist and animator, and those occupational hazards to which he is continually making reference.

Substantially, there is a reflexion about human nature in each of the Tan Cemal’s works that, with graphic techniques that he handles amazingly, gives a humanistic air to his works, a reflexion feeling about the elements that build the day by day life of all who live in the cities. Tan Cemal combines his expertise in animation and stopmotion with Turkish traditional graphic techniques like drawing with a single line, calligraphic virtuosity or optical effects with black stroke that he calls “rhythmic patterns”.

The humour and a kind of mystique are the substances for Tan Cemal to blow away his visions of citizen of Istanbul that arise the whole set as a song full of optimism about the human being.

The exhibition is a collection of all his work including his charismatic drawings – rhythmic and one line – video clips for well known bands from Istanbul as Pinhani or DDR, his home movies and some of the humour pages published in the newspaper Radikal. Also, Tan Cemal will make a site-specific performance on the walls of the gallery.

M.C.

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Intermission

Galería

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Sinopsis

 

“Intermisión” es un espacio que se yergue en medio de otro. Éste puede tener relación al cual se circunscribe o no, pero se caracteriza por irrumpir en el correcto flujo del que corta. Siendo este el caso, se pretende hacer uso del término como una grieta que crece dentro de la información predominante, haciendo de la subyacente la intermisión protagonista.


Descripción

 

SEBASTIÁN CABRERA

The abandoned bed. Ref: tightwarmwetsexxx.mov
Óleo sobre tela, 116×89 cm, 2012

Countless photocopies of a book in blank
Video en loop, 3min, 2012

Las piezas The abandoned bed. Ref: tightwarmwetsexxx.mov y Countless photocopies of a book in blank actúan a través del tema “Intermisión” para abordar el concepto del pliegue y sus cualidades de exhibir y de ocultar.
The abandoned bed. Ref: tightwarmwetsexxx.mov reproduce una imagen capturada de un video porno amateur en el momento en el cual los protagonistas abandonan la escena, dejando a la luz el escenario del acto sexual. Mientras que Countless photocopies of a book in blank comprende un conjunto de fotocopias de un libro en blanco que, debido a la ausencia de la luz, hacen surgir el pliegue oscuro.

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DANIEL PÉREZ, ARIADNA SERRAHIMA

A Lover’s Discourse: Appendix

This piece compiles a series of actions that are the result of two people reading A Lover’s Discourse: Fragments by Roland Barthes. During the act of reading, every thought that surfaced (considered an intermission) has been materialised and catalogued. This piece is an exercise in giving form to a reader’s imaginary, and in this way highlight the common act of reading. Therefore, the content of this piece works as a visual insert to its source, A Lover’s Discourse: Fragments. The outcome of this process is a visual Appendix that reflects a conversation between two people wondering about Love.

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JUAN DIEGO TOBALINA

Into Dark

Video monocanal, blanco y negro y audio, 5´20″, 2011
Pieza hecha a partir de trozos de otros vídeos recogidos de internet, en donde se aprecian personas en el mismo instante en que empiezan a quedarse dormidas. El vídeo se vuelve una colección de lo que se podrían llamar “pequeños fallos” en la correlación diaria, tomando a este hecho natural como algo extraño y confuso.

Neri

Audio Stereo 11´20″ e impresión en blanco y negro 20 x 20cm, 2011
Pieza hecha a partir de audios recogidos de internet, es la mezcla del sonido de varios terremotos, que en conjunto serían el de mayor duración y conformarían una intermisión catastrófica.

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CARLA TRAMULLAS

Conversación 1
Fotografía color 30 x 45 cm, tríptico, 2011

Conversación 2
Fotografía color 30 x 45 cm, díptico, 2011

Conversación 3
Fotografía color 30 x 45 cm, 2011

Conversación 4
Fotografía color 30 x 45 cm, 2011

Estas fotografías constituyen el registro visual de una serie de conversaciones de carácter privado realizadas utilizando la cámara como espacio para la confesión. El mensaje de naturaleza invisible (el oral), se emite a través de un medio visual (el fotográfico); la palabra es interrumpida, queda enmudecida e inescrutable al ser fotografiada.

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Work in progress

Galería

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Sinopsis

 

Andrea Michaelsson (Btoy) trabaja la técnica del esténcil desde el año 2001, y desde entonces se ha ganado un lugar preferente en el panorama internacional de arte urbano. Invitada por Baksy al Cans Festival de Londres en el 2008, entre los cincuenta mejores artistas de esténcil del mundo, actualmente, expone con regularidad en galerías de Barcelona, París, Milan, Londres y EE.UU.


Descripción

 

Puertas, callejones, paredes anónimas, muros vetustos son el soporte habitual que Andrea Michaelsoon usa para difundir su obra. Aunque en esta ocasión, además de presentar una sería de obras recientes, serán las paredes del KKKB el soporte sobre el que ejecutará una serie de murales.


Justificación

 

Tradicionalmente Andrea focaliza su trabajo en la imagen de la mujer cuestionando la construcción icónica de la feminidad en el tiempo. Rebusca en la iconografía del Hollywood de la primera mitad del siglo XX, desde el cine mudo hasta las comedias de los 50, para devolvernos imágenes que interpelan más la contemporaneidad que el pasado. Sus retratos nos miran directamente y sus personajes nos obligan a reflexionar sobre paso el tiempo y sobre nosotros mismos en ese devenir.

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Lorem Ipsum

Galería

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Sinopsis

 

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Descripción

 

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