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Suspicious Minds

Galería

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Sinopsis

Una exposición de Karim Lebbal y Jordi Soto ‘Chamuco’.

Comisariada por Mery Cuesta.

El dibujo y la pintura volcados con una pasión irrefrenable, con una compulsión que no es normal. Karim Lebbal y Chamuco regurgitan sobre el papel una maraña flipante de referentes de la cultura popular musical, el cómic, o el cine, que provocan turbación en el espectador. Vómitos gráficos sin remedio ejecutados con una técnica sencillamente asombrosa.


Descripción

 

La imaginación de Karim Lebbal se despliega en torno a Los Night Creatures, un elenco de 40 personajes y un gato que viven en planetas paralelos. En este cosmos lleno de pliegues entre realidad y fantasía vive Skabidú, un abuelo alienígena que viaja en meteorito y cae en la tierra en 1969, en medio del festival Woodstock. Agradecido por el buen trato recibido, Skabidú decide crear unos seres que salvarán al mundo de la corrupción… Pero el experimento no sale bien y Los Night Creatures se dedican a la juerga y el crapulismo.
El universo de Los Night Creatures es el funky, el incipiente movimiento del skate y el graffiti de los 70, y especialmente los vinilos. Los discos de vinilo son una de las bases fundamentales del trabajo de Karim, quien emplea como soporte papeles protectores de discos de vinilo de los 70 exclusivamente, sobre los que va desgranando referencias a álbumes y temas de la época que – según el artista – normalmente los coleccionistas no comparten. Los Night Creatures es también un glosario de rarezas, temas inéditos y caras B de funky y rock’n’roll setentero, además de un hilarante catálogo de argot de la época, aportación del guionista Fernando ‘Nandi’ Sastre.
Las aventuras de Los Night Creatures, fuertemente influenciadas por el estilo de Robert Crumb, Charles Burns, Jim Phillips o Vaughn Bodé, verán la luz proximamente como cómic book.

Jordi Soto ‘Chamuco’ pinta y dibuja porque no podría dejar de hacerlo. La identificación de su ideario y sus referentes vitales con su obra es total y absoluta. Muy probablemente es esta entrega total a la expresión gráfica de su Yo la que genera tanta potencia y perturbación en el espectador.
Chamuco crea de una manera que, en cierto modo, se relaciona con una forma de automatismo, en equilibrio entre lo instintivo y la pura visceralidad. En este estado asalvajado, desata un torrente de referencias a los carteles de cine, las portadas de discos y pulp, el mundo del tatuaje y la gráfica de los pinballs. Cierto horror vacui en sus composiciones, y el delirio de color y temático (sus pinturas parecen a veces visiones de un alucinado) le acerca a lo que hoy llamamos Surrealismo pop. Pero Chamuco ha llegado a este punto por su cuenta, apoyado en referentes tan dispares como Egon Schiele, Mel Ramos o el cartelista Macario Gómez ‘Mac’.
Los títulos en la obra de Chamuco adquieren mucha importancia complemento (No sempre les coses més grans són les que et foten la vida, En el monte del olvido hay clavadas tres cruces… y las tres son para mí) lo cual debe descender de su faceta como poeta. Chamuco es uno de esos creadores para quienes su práctica funciona como una manera de autoexorcismo.

Para nosotros como espectadores es un lujo que ambos artistas sean capaces de reflejar, con una técnica alucinante y alucinada, lo que hay dentro de sus cabezas. Si cada uno de nosotros fuéramos capaces de hacerlo, quizás también seríamos tildados de mentes sospechosas.

Mery Cuesta


Otros textos

 

Karim Lebbal | Bretagna, 1977

Dibujante, músico y diseñador alternativo.
Estudia en Paris artes gráficas. En Francia, trabaja de diseñador de revistas deportivas, de la revista Rock Magazine, así como de carteles, flyers e ilustraciones. Miembro del colectivo artístico Art Pax dedicado al graffiti, y de TRIBE Organisation, una asociación dedicada al monopatín.
En 2004 llega a Barcelona. Actualmente está centrado en un libro autobiográfico con fotomontajes y dibujos, y en el desarrollo del mundo de Los Night Creatures, con la ayuda del guionista Fernando ‘Nandi’ Sastre.

Jordi Soto ‘Chamuco’ | Barcelona, 1965

Músico, compositor y pintor.
Co- fundador y miembro de la banda Los Bombarderos. Ha desarrollado una larga carrera musical y compositiva junto a los saxofonistas Dani Nel•lo (La banda del Zoco, Vértigo) y Jordi Prats. Así mismo, realiza trabajos de composición para teatro bajo la dirección de Carme Portaceli.

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We love Colors

Galería

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Sinópsis

Para esta exposición, “We love colors”, hemos invitado a un representativo grupo de artistas que trabajan o han trabajado en las calles de Barcelona. Queremos que cuenten lo que quieran partiendo de la idea del uso del color que cada uno hace en sus obras. Además hay implícita en cada una de las obras una reflexión personal sobre el color a través de sensaciones, estímulos o paralelismos con otras disciplinas. Sin filtros ni censuras y con total libertad formal.

Con el fin de que resulte una manifestación real de libertad de expresión, y evitar el consumo rápido y superficial del arte urbano, hemos querido mantener como una de las máximas de esta exposición la independencia en cuanto a los contenidos.

“We love colors” reúne a Kenor, Sakristan, Kafre, Zosen, Ilia Mayer, Joaquin Jara, Ripo, Ovni, Hombre López, Justin Case & Olivia, ZEZ608, Txemy y BToy.

Todos ellos intervienen o han intervenido en algún momento las calles de Barcelona.

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Notebook

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Sinopsis

 

Esta exposición es un claro ejemplo de lo divertido que pueden ser los juegos de matar zombies, pero también pretende crear un marco de reflexión y análisis sobre los procesos de producción en el trabajo artístico, siendo éste el hilo conductor y leitmotiv de los artistas presentes en la exhibición. No se trata de una exposición temática al uso, sino de visibilizar el desarrollo de la investigación conceptual de los artistas residentes en Hangar, planteando la producción como un tempo del trabajo creativo tan necesario hoy en día en el mercado del arte y con tan poca visibilidad social.

Comisaria: Carlota Santabábara.

Artistas: Alberto Gracia, Diego Pujal, Guillermo Pfaff, Joan Cabrer, Jordi Ferreiro, Lola Lasurt, Mariana Zamarbide, Mercé Hernández, Mónica Heller, Rita Rodriguez, Rubén Verdu, Samuel Labadie, Sergi Botella.


Descripción

 

Puede que a día de hoy pocos hayan reparado en la importancia de los procesos artísticos, de los centros de producción artística, y en la importante función que desempeñan en el complejo y especulativo engranaje del consumo cultural. Esta exposición colectiva tiene como objetivo visibilizar los procesos de producción de una serie de artistas residentes en Hangar, no sólo para mostrar un producto artístico sino para revelar cómo trabajan y así nos permitan leer entre líneas cuales son los tempos de su obra, desde la idea que les invade frente a un café recién hecho o esperando el metro, hasta su plasmación en aquello que nos dejan contemplar como espectadores.

Tal y como dijo Adorno: “El arte no se agota en lo que se puede hacer, si no que el proceso hace que la obra de arte tenga su lenguaje propio”.

La visibilidad del proceso artístico eleva al arte como forma de conocimiento, comunicación, objeto o proceso transformador, se ha querido promover el valor del proceso como mecanismo de experimentación, reflexión e intervención de la creación contemporánea. Siendo un objetivo fundamental acercar al público el arte como proceso, como experiencia investigadora, familiarizando a la sociedad con los lenguajes artísticos desencriptando los mismos y haciéndolos más accesibles a la comprensión.

Se trata de un ensayo de comunicación coordinado y alentado para la introspección autocrítica de los artistas siendo documentado de forma audiovisual y exhibido al público para una mayor comprensión del trabajo desarrollado.
El hilo conductor de la exposición refleja la pérdida de entidad del objeto artístico como producto acabado, tomando mayor importancia el discurso que lo alienta y su proceso de creación. “El arte se desmaterializa y pasa de ser un producto a una práctica” (Lucy Lippard en 1972, “desmaterialization of the art object”).

El espectador en un acto de voyeurismo, puede observar un trabajo de investigación reflexivo de cada uno de los componentes de la muestra, no se trata de una exhibición de obras acabadas, sino de adentrarse en el taller de cada uno de los artistas e indagar en su intimidad artística, en su quehacer artístico y el trabajo intuitivo de búsqueda de referencias que alienten a la catarsis que supone materializar las ideas, delatándose y evidenciando una concepción del arte singular y propia de cada uno de ellos.

El arte puede ayudarnos a construir un contexto cultural que sea más favorecedor a los procesos de creación, a su soporte, para que al final todos podamos disfrutar del arte, tomando conciencia del trabajo que se lleva a cabo antes del vernissage.

Toda obra de arte es un instante; toda obra de arte conseguida es una adquisición, un momentáneo detenerse del proceso, al manifestarse éste al ojo que lo contempla. Si las obras de arte son respuestas a sus propias preguntas, también se convierten ellas por este hecho en preguntas. Theodor W. Adorno “Teoría estétic” (1969).

Considero fascinante ofrecer la posibilidad de poder abrir la puerta entreabierta de los talleres de Hangar, poder entrar y ver cómo construyen, elaboran, piensan y garabatean un papel tras otro. Sin duda una oportunidad para el conocimiento.


Justificación

 

NOTEBOOK, más allá de fotografiar cuadernos de trabajo, consiste en generar un contexto de reflexión en el que se analice la importancia del trabajo creativo que precede a la exhibición y a la difusión, con la ambición de generar un diálogo entre los agentes culturales para revalorizar una fase de trabajo que por falta de visibilidad o desconocimiento puede pasar desapercibida, siendo, en esencia, lo que constituye el germen de lo que venimos a llamar Arte. Se trata de cuestionar y evaluar el valor que la sociedad actual da al trabajo de producción artística.

En este trabajo de investigación se intenta comprender la relación que existe entre los procesos de creación artística y los contextos culturales que los inspiran, motivan y determinan.

Consiste en una exposición que pretende romper el hermetismo unidireccional del arte, salir de las categorías convencionales de exhibición, recuperando el sentido del arte como elemento de reflexión del imaginario colectivo, la narración de procesos conceptuales, haciéndolos más inteligibles acercándolos al espectador, vislumbrando la genialidad artística en una abstracción teórica que nos acerca al artista y a su obra.

Los artistas, todos ellos residentes en Hangar, reflejan a modo de imagen conceptual o boceto, la reflexión autocrítica del desarrollo conceptual y artístico de su trabajo enfrentándose para ello al papel en blanco. (como si les hubiésemos robado una hoja de su cuaderno de notas).

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7 Songs. The raining machine of Raffaella Carrà’s monkey does ventriloquism with my neighbour.

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Sinópsis

7 Songs.
The raining machine of Raffaella Carrà’s monkey
does ventriloquism with my neighbour

Artistas invitados:

  • Jaume ferrete. untitled.
  • Daniel jacoby – every little thing she does is magic (grammatically corrected) version interpreted by invisible sun.
  • Tamara kuselman – mi vecina interpretando la habanera ó l’amour est un oiseau rebelle de georges bizet.
  • Samuel labadie – industrial tantra.
  • Gabriel pericàs – fragmento del estribillo de “fiesta” de rafaella carrá
    repetido indefinidamente.
  • Ryan rivadeneyra – untitled.
  • Elizabeth wurst -oh no, climate.Exposición a cargo de Daniel Jacoby.
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Sinopsis

Esta exposición supone una reflexión acerca de la realidad más próxima, lo cotidiano, lo íntimo y personal, la vida y la muerte, los límites del autorretrato, los estereotipos de género, la práctica sexual y lo corpóreo. Una serie de propuestas que si bien recurren a diferentes lenguajes para hacerse visibles, tienen en común el uso de una poética que nace de lo más arraigado en cada uno de los artistas.

• Jesús Monteagudo Guerra
• Rafel Forga
• Sandra March
• Carlota Polo Martín
• Paola Quevedo Marini
• Lúa Coderch
• Maria del Mar Adell i Herrera
• Júlia Rubio Montalà

Descripción

Las piezas que componen la exposición surgen de Genealogies Femenines en la Pràctica Artística: Laboratori de Projectes “en relació”, una asignatura impartida en el marco de los estudios de Bellas Artes. Metodológicamente se recurre a referentes artísticos de la esfera femenina, abriendo un abanico de información y de recursos a nivel conceptual, poético y técnico, libre y rico en sugerencias y matices.

Justificación

En el ámbito conceptual, la lectura de artistas como Louise Bourgeois, Annette Messager, Kara Walker, Mona Hatoum, Magdalena Abakanowicz, Gillian Wearing, Frida Kalho, Nancy Spero y Kiki Smith entre otras, proporciona un material que posibilita actuaciones y miradas desde diferentes universos creativos.

En el aspecto material, la capacidad de introducirse en el campo de la artesanía recuperando para el arte técnicas como el cosido y el bordado, la inclusión de técnicas apropiacionistas y de reciclaje de materiales, así como la asimilación de los últimos avances en el campo del audio y la imagen, favorecen la aparición de nuevas estrategias expresivas y nuevos medios de formalización que acompañan las más complejas derivaciones del discurso personal.

El resultado es una muestra variada y sensible, que navega entre lo sentido y lo evidentemente expuesto.

Artistas

  • Monteagudo, Jesús
  • Polo Martín, Carlota
  • Rubio Montalà, Júlia
  • Coderch, Lúa
  • Adell, Mª del Mar
  • Quevedo, Paola
  • Forga Artigas, Rafel
  • March, Sandra